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Derecho de los e-sport, los videojuegos y la tecnologíaWed, 11 Jan 2023 06:27:12 +0000es
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3232192488205LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE PARTE 3
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Wed, 11 Jan 2023 06:27:12 +0000https://videojuegos.enriqueortegaburgos.com/?p=78434CONOCE LA LLAMADA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE. PARTE 3.
COMO YA HEMOS MENCIONADO ANTERIORMENTE, LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE DIO PIE PARA QUE MUCHAS MÁS COMPAÑÍAS Y PRODUCTORAS SE SUMARAN A LA NECESIDAD DE COMPETIR EN EL MERCADO, ASÍ COMO DE MEJORAR LA CALIDAD DE LAS PELÍCULAS O SERIES.
Sin embargo, es una realidad que no todas las caricaturas lograron lo que algunos clásicos estadounidenses sí alcanzaron; por ejmplo, en el caso de Mickey Mousse, el éxito fue muy evidente.
Mickey Mouse
«Cuando la gente se ríe de Mickey Mouse, es porque él es tan humano, y ese es el secreto de su popularidad. Sólo espero que no perdamos de vista una sola cosa, que todo fue iniciado por un ratón.» – Walt Disney sobre la popularidad de Mickey Mouse.
Mickey Mouse, también conocido simplemente como Ratón Mickey, es un personaje de dibujos animados y emblema de la compañía Disney. Este característico personaje fue creado el 18 de noviembre de 1928, aunque tiene un origen disputado.
Según la leyenda oficial, fue creado por Walt Disney durante un viaje en tren de vuelta a California tras descubrir que no poseía el copyright de Oswald, el conejo afortunado, por lo que concibió un ratoncito vivaz de orejas grandes que quiso llamar Mortimer. A Lilian, su esposa, le pareció un nombre demasiado pretencioso y le sugirió Mickey (según Bob Thomas la leyenda del nombre es ficticia y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse que nació en 1936, tío de Minnie Mouse).
“Su cabeza era un círculo con otro círculo a modo de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga; sus patas eran tubos de pipa y se las metimos en zapatos grandes para darle el aspecto de un chiquillo con el calzado de su padre.”, Walt Disney
La versión que hasta el momento parece más creíble es que el personaje fue creado por el dibujante Ub Iwerks, a petición de Disney, para compensar la pérdida de los derechos de Oswald, el conejo afortunado, a manos de la Universal. Lo cierto es que Mickey no es más que una variación del personaje de Oswald.
Adicionalmente, a Walt Disney hay que atribuirle tanto la voz del personaje (lo interpretó durante 17 años) como la personalidad y el carácter del ratón, sus animadores decían que el ratón tenía la misma personalidad de su creador.
Como un dato relevante a destacar en este punto podríamos mencionar que The Walt Disney Company celebra el cumpleaños de Mickey todos los 18 de noviembre, a raíz de su estreno en 1928, para ser más concretos, a raíz del estreno de Steamboat Willie, primer cortometraje sonoro de dibujos animados, y tercera aparición del ratón.
Walt Disney prestó su voz al personaje desde 1929 hasta 1946, cuando fue sustituido por el técnico de sonido Jimmy MacDonald. Desde 1983 la voz es de Wayne Allwine; eso sí, a lo largo de los años Mickey ha aparecido en dibujos animados, tiras cómicas, videojuegos y se ha convertido en el icono de la compañía Walt Disney.
Sus momentos de éxito.
Ahora para hablar de los primeros éxitos: The Gallopin’ Gaucho fue el segundo cortometraje protagonizado por Mickey que produjo Walt Disney. La verdad es que The Walt Disney Company no logró encontrar un distribuidor para la película; sin embarho, se estrenó después del éxito del tercer corto del personaje, Steamboat Willie, el 30 de diciembre de 1928.
Por ese motivo, aunque fue el segundo cortometraje de Mickey Mouse en cuanto a su producción, fue el tercero en ser estrenado.
Recordamos que tanto Mickey como su novia Minnie habían aparecido ya en el primer corto de la serie, Plane Crazy, que se estrenó el 15 de mayo de 1928 y no obtuvo el éxito esperado. Disney e Iwerks volvieron a intentar captar el interés de la audiencia con una nueva película sobre los mismos personajes, The Gallopin’ Gaucho.
En esta oportunidad, la animación del filme corrió exclusivamente a cargo de Iwerks. The Gallopin’ Gaucho pretendía ser una parodia de una película de Douglas Fairbanks, titulada The Gaucho, estrenada poco antes, el 21 de noviembre de 1927. La acción se desarrolla en la Pampa argentina, y Mickey es el propio gaucho.
En este sentido, el protagonista montó un ñandú en lugar de un caballo. Llegó al bar y restaurante Cantina Argentina, aparentemente para relajarse tomando una copa y fumando. En el restaurante se encuentra a la camarera y bailarina Minnie Mouse, y un parroquiano, que no es otro que Pete Pata Palo (en inglés Peg Leg Pete, más tarde Black Pete, Bad Pete o solamente Pete), presentado como un forajido.
Para adentrarnos un poco más en la historia, el papel de villano de Pete había quedado ya establecido en las series de las Comedias de Alicia y Oswald, el conejo afortunado. Este corto, sin embargo, representa su primer encuentro con Mickey y Minnie. Los dos últimos parecen no conocerse, aunque ambos habían aparecido juntos ya en Plane Crazy.
Minnie baila un tango y los dos personajes masculinos se pelean por ella. Pete intenta apresurar el final de la pelea raptando a Minnie, y llevándosela en su caballo, pero Mickey le sigue a lomos de su ñandú y pronto se pone a su altura. Mickey y Pete entablan entonces un duelo a espada, de la que el primero sale victorioso, rescatando a la damisela en apuros. El corto termina con la imagen de Mickey y Minnie, a lomos del ñandú, perdiéndose en el horizonte.
Como resultado de estos trabajos, se creó el siguiente cortometraje de Mickey, el segundo en ser estrenado y el primero que realmente llamó la atención del público: Steamboat Willie. ¿Lo sabías?
La llegada de la música.
Para quienes no lo sabían, Steamboat Willie fue estrenada por primera vez el 18 de noviembre de 1928 en el Colony Theather, y fue dirigida por Walt Disney y Ub Iwerks. Es así como Iwerks ejerció de nuevo como jefe de animación, asistido por Johnny Cannon, Les Clark, Wilfred Jackson y Dick Lundy.
Este cortometraje era una parodia de Steamboat Bill Jr (El héroe del río), de Buster Keaton, estrenada el 12 de mayo del mismo año. A pesar de ser la tercera aparición de Mickey, este cortometraje está considerado como el verdadero debut del personaje.
Ahora también hay que decir que este corto de animación no fue el primero que combinó sonido, música y diálogos sincronizados. De hecho, el Fleischer Studios había estrenado una serie de animaciones sonoras usando el sistema De Forest a mediados de los años 20; sin embargo, la idea de hacer un corto sonoro le vino a Walt Disney tras ver un corto de las Aesop’s Film Fables, titulado Dinner Time.
Aún más detalles.
Pese a la acotación anterior, se podría decir que Steamboat Willie fue, sin embargo, el primer corto sonoro que alcanzó una fama importante. A día de hoy aun se debate sobre quien fue el autor de la música original del corto; ya que ha sido atribuida a, entre otros, Wilfred Jackson, Carl Stalling o Bert Lewis, pero no hay ninguna conclusión definitiva.
Dato curioso: El propio Walt puso la voz tanto de Mickey como de Minnie, aunque no había diálogos, solo ruidos tipo risas, lloros, gritos.
Es así pues como la historia nos muestra a Mickey pilotando el Steamboat mientras silba una pegadiza melodía. Al momento aparece el capitán del barco, el Capitán Pete y lo echa, para conducir él; ya en este punto se detiene el barco para recoger la carga, y cuando están a nada de zarpar otra vez aparece Minnie que ha perdido el barco.
Mickey la ayuda a subir con una grúa. Una vez en el barco una cabra, del cargamento de animales del barco, se come la partitura de Minnie, que tenía escrita la famosa canción Turkey in the Straw.
Esta situación provoca que Mickey usara el rabo del animal, usándolo en un fonógrafo y sonará la melodía. Acto seguido empezará a usar a diferentes animales como instrumentos musicales. El Capitán Pete, molesto por el ruido de la música, obliga a Mickey a trabajar. El corto finaliza con la imagen de Mickey pelando patatas.
Otro dato curioso de la época: El público que acudió al estreno de este cortometraje se quedó muy impresionado por el uso de la música con fines cómicos; debido a que, las películas sonoras representaban todavía una gran innovación, la primera película sonora de la historia, El cantante de jazz con Al Jolson, se había estrenado el 6 de octubre de 1927, y en menos de un año muchas salas de Estados Unidos ya habían instalado equipos de sonido para este tipo de películas.
Sin ninguna duda, Walt Disney estaba dispuesto a aprovechar las ventajas que este nuevo sistema ofrecía, ya que muchos otros estudios aun seguían produciendo cortos mudos de animación que dificilmente podían competir con Disney. Es así como Mickey Mouse pasó a ser rápidamente uno de los personajes de animación más populares de su época, cosa que permitió a Walt estrenar de nuevo los dos primeros cortos de su ratón: Plane Crazy y The Gallopin’ Gaucho.
Otra realidad es que estos cortos eran originalmente mudos, pero se les incorporó sonido y aumentaron la popularidad del dibujo. The Barn Dance (1929) sería su cuarta aparición como personaje, ya muy famoso. Pero Mickey no hablaría hasta The Karnival Kid (1929) cuando pronunciaría sus primeras palabras: «Hot dogs! Hot dogs!»
Aparición de los guantes.
«¿Te has preguntado alguna vez porqué llevamos estos guantes blancos?»- Varios personajes lo mencionaron en algunas interpretaciones de la época.
Aprovechamos esta acotación para señalar que The Opry House, estrenado el 28 de marzo de 1929, fue el segundo cortometraje de aquel año, y el primero que introdujo los guantes blancos en los personajes, ¿Unos cuántos años de éxito, no?.
Mickey llevaría estos guantes en la mayoría de sus siguientes apariciones; quizá una de las razones más verosímiles del añadido de los guantes sería poder distinguir a los personajes cuando sus cuerpos estaban pegados, ya que todos ellos eran de color negro (Mickey no apareció en color hasta The Band Concert, El concierto de la banda, en 1935).
Incluso podría resaltarse que, pese a que las animaciones estadounidense tuvieron altos y bajos, así como unas fueron más exitosas que otras, la verdad es que la industria norteamerica se apoderó del mercado por un buen tiempo en aquellos años.
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]]>78434LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE PARTE 2
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Tue, 10 Jan 2023 09:32:26 +0000https://videojuegos.enriqueortegaburgos.com/?p=78433CONOCE LA LLAMADA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE. PARTE 2
LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE LE REGALÓ AL MUNDO DECENAS DE SERIES Y PELÍCULAS ANIMADAS QUE SE MANTIENEN HOY DÍA COMO CLÁSICOS, DE HECHO, EL AUGE DE ESTAS PRODUCTORAS PROVOCÓ EL NACIMIENTO DE MUCHAS MÁS EN OTROS CONTINENTES.
El crecimiento acelerado de esta popularidad no fue una casualidad, pero su desarrollo tiene sin duda varios puntos dignos de resaltar.
Curiosidades de era dorada de la animación
Durante la Segunda Guerra Mundial el gobierno estadounidense mantuvo un acuerdo con los estudios de animación para realizar propaganda antinazi y anticomunista, una muestra de ello es que aparecen varias caricaturas animadas satirizando a alemanes o japoneses. Esto también ocurrió durante la Era Dorada de los comic-books, la Era Dorada de Hollywood y la Era Dorada de la televisión.
Es necesario resaltar que la Era Dorada ha inspirado a dibujantes y animadores de diferentes lugares del mundo. Por ejemplo: Osamu Tezuka, Shigeru Miyamoto, José Sanchis Grau o John Lasseter.
Los temas de la Era Dorada eran muy diversos como el arte, la ficción o la sátira costumbrista. La animación tradicional 2D era de gran calidad para la época y manteniendo un humor equilibrado. Durante este período el cine y la animación estadounidense fueron categorizados como auténtico arte
Asimismo, los dibujos animados de este período, al igual que los de la Era Muda de la animación Americana, no eran considerados infantiles aunque fieles al Código Hays. Esto es debido a que muchos cortometrajes animados, como los Looney Tunes y las Merrie Melodies, mostraban el slapstick continuamente y en producciones más realistas, como los largometrajes de Disney, mostraban un lenguaje más culto y serio.
Se representaron en dibujos animados a muchos actores, músicos y cantantes de la Era Dorada de Hollywood como: Charlot, Kate Smith, El Gordo y el Flaco, Abbott y Costello o los Hermanos Marx.
Pese a que, debido a la mentalidad de la época, la gente afroamericana era caricaturizada con labios hinchados tanto en los dibujos animados, en el cómic, en el cine o en la televisión, las producciones animadas de las eras Muda y Dorada solían criticar la esclavitud racista.
Un ejemplo de la crítica hacia las series racista se puede ver mediante la caricatura de Felix the Cat: Uncle Tom’s Crabbin. Lo más curioso es que apenas hubo quejas por parte de la gente afroamericana en estas caricaturas e incluso, en varias ocasiones, participaron en la producción musical de las mismas. Por ejemplo, en el cortometraje animado Tin Pan Alley Cats en el que participaron cantantes de jazz y blues.
En una lucha para no perder la esencia, Disney y Pixar realizan cortometrajes animados antes de comenzar sus largometrajes en los cines, e incluso el cortometraje Get a Horse! fue un muy claro homenaje a los comienzos de Disney en esta era. Muchos otros estudios de animación han seguido este ejemplo y también realizan cortometrajes animados en los cines.
Mejores animaciones estadounidenses durante la era dorada
Silly Symphonies
Las Sinfonías tontas, conocidas en inglés como Silly Symphony, fueron una serie de cortometrajes animados experimentales producidos por Walt Disney Pictures desde 1929 hasta 1939, de hecho nacieron del deseo de mejorar e innovar en el campo de la animación. Podría decirse que la intención era permitir mayor libertad artística de crear un sinnúmero de personajes e historias, sin estar atado a uno solo.
«Utilizamos Silly Symphony para probar y perfeccionar el color y las técnicas de animación que usamos más tarde en los largometrajes» Walt Disney.
Un poco de historia
El primer director musical de Walt que más tarde alcanzó la fama con sus composiciones para Looney Tunes, Carl Stalling, propuso una nueva serie de cortometrajes en los que la música sería el ingrediente principal. Para comenzar, los protagonistas debían ser personajes inanimados que cobraban vida al ritmo de las melodías de la banda sonora, pero los cortometrajes no tardaron en convertirse en algo más.
Dato curioso: A diferencia del Universo de Mickey Mouse, Silly Symphonies no tenía personajes recurrentes y cada personaje era presentado como un soporte.
En cuanto a la primera sinfonía tonta, título concebido por el propio Walt, fue The Skeleton Dance (1929), un musical animado, único e innovador para la época. Estas primeras obras, como Autumn (1930), y Mother Goose Melodies (1931) tuvieron una buena recepción del público; eso sí, la serie alcanzó el éxito definitivo con la incursión del color a los cortometrajes.
Como otro dato importante podríamos decir que la producción Flowers and Trees (1932) coincidió con el perfeccionamiento del procedimiento tecnicolor. Walt estaba emocionado con las posibilidades que se abrían, así que, a pesar del gran coste que supuso, reicieron Flowers and Trees en color, lo que le concedió a Walt Disney obtener su primer Oscar a mejor cortometraje animado.
Es así como Silly Shimpony alcanzó un nuevo nivel de excelencia, sobre todo cuando Three Little Pigs (1933) se convirtió en un fenómeno, Gracias a la canción «Who’s Afraid Of The Big Bad Wolf» (Quién le teme al gran lobo feroz) y a las tres personalidades diferenciadas, que Walt consideraba un salto en la animación de personajes, el corto alcanzó una fama solo comparable a la de Mickey.
Años más tarde, llegaron otros éxitos como era de esperarse, esta vez con música mucho más elaborada, tales como The Grasshopper and the Ants (1934) y nuevos personajes como los gatos de Three Orphan Kittens (1935), Elmer Elephant (1936) y el valiente pequeño de Little Hiawatha (1937).
Premios y Reconocimientos
Nada más en los diez años de emisión, Sylly Symphonies ganó siete premios de la Academia al Mejor Cortometraje Animado y dio lugar a numerosos imitadores, algunos de los cuales como Merry Melodies de Warner Bros pasaría a ser los principales competidores con Disney.
Blancanieves y los Siete Enanitos.
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]]>78433LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE PARTE 1
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Mon, 09 Jan 2023 19:45:39 +0000https://videojuegos.enriqueortegaburgos.com/?p=78432CONOCE LA LLAMADA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE. PARTE 1
LA EDAD DE ORO DE LA ANIMACIÓN AMERICANA FUE EL SEGUNDO Y MAYOR PERIODO EN LA HISTORIA DE LA ANIMACIÓN ESTADOUNIDENSE QUE COMENZÓ CON EL ADVENIMIENTO DE LOS CORTOMETRAJES ANIMADOS SONOROS SINCRONIZADOS EN EL AÑO 1928, Y QUE CONTINUÓ HASTA MEDIADOS DE LA DÉCADA DE LOS 60.
En esa década los cortometrajes animados (utilizados para acompañar a las producciones cinematográficas) empezaron a perder contra la nueva programación animada de la televisión con los Saturday-morning cartoons. La aparición del Technicolor debutó en este período con los cortometrajes y largometrajes animados de los años 30. Adicionalmente, las primeras series animadas en televisión a finales de los años 40 tamién influyeron. La mayoría de los personajes más populares de la animación estadounidense fueron creados durante este período.
«No los hicimos para nadie, los hicimos para nosotros mismos, que probablemente era la manera más sensata de hacerlo de todos modos.», comentó en su momento, Chuck Jones.
Disney: Era Dorada.
El 18 de Noviembre de 1928 Disney Bros. Cartoon Studio (1923) lanzó Steamboat Willie , la primera producción animada sonora sincronizada protagonizada por Mickey y Minnie Mouse, un momento que sin duda dio un giro importante en la industria y en el mercado.
Este cortometraje fue todo el éxito que llevó al estudio a crear las Silly Symphonies, una serie de cortometrajes de 1929 que no usaban personajes continuos. De acuerdo con los registros de algunas páginas fandom, fue en el año 1932 que una de estas producciones, Flowers and Trees, se convirtió en la primera producción animada a todo color usando el Technicolor.
Ya para 1937 otra de estas producciones, The Old Mill, fue la primera producción en usar la cámara multiplano, que dio una ilusión de profundidad al mundo animado. La animación a todo color también comenzó con los primeros largometrajes animados de Walt Disney desde 1937 a 1942: Snow White and the Seven Dwarfs, Pinocchio, Fantasía, Dumbo y Bambi.
Podría mencionarse como otro gran avance que tuvo la animación norteamericana, la multitud de estudios que siguieron el ejemplo del estudio de Walt Disney para producciones cinematográficas incluyendo: Fleischer y Famous Studios, Warner Bros. Cartoons, Inc., MGM Cartoon Studio, Screen Gems, UPA y Hanna-Barbera, Walter Lantz Productions, Republic Cartoons, Van Beuren Studios, Terrytoons, DFE e incluso Chevrolet.
Algo parecido se dejó ver cuando surgió la animación en televisión en 1949, con estudios como Jay Ward Productions o Hanna-Barbera, Walt Disney crearía series para televisión; siendo la primera Walt Disney Anthology Series en 1954.
Películas animadas durante la era dorada:
Mickey Mouse (1928-1953)
Donald Duck (1934-1959)
Goofy (1939-1965)
Silly Symphonies (1929-1939)
Snow White and the Seven Dwarfs (1937)
Pinocchio (1940)
Fantasia (1940)
Dumbo (1941)
Bambi (1942)
Saludos Amigos (1943)
The Three Caballeros (1945)
Make Mine Music (1946)
Song of the South (1946)
Fun and Fancy Free (1947)
Melody Time (1948)
So Dear to My Heart (1949)
The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949)
Cinderella (1950)
Alice in Wonderland (1951)
Peter Pan (1953)
Lady and the Tramp (1955)
Sleeping Beauty (1959)
One Hundred and One Dalmatians (1961)
The Sword in the Stone (1963)
Mary Poppins (1964)
Incluso podríamos llegar a destacar algunas de las siguientes producciones en animación que fueron creadas después de la Era Dorada; no obstante, son las producciones consideradas como clásicos de la animación tardíos debido a que estuvieron en producción y aprobación por parte de Walt Disney antes de su fallecimiento en 1966.
Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966)
The Jungle Book (1967)
Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968)
The Aristocats (1970)
Bedknobs and Broomsticks (1971)
Y es que adicionalmente, cada una de estas piezas marcaron un antes y un después en la industria, sobre todo considerando que muchas de ellas se mantienen como clásicos irrepetibles en la mente de millones de personas del mundo.
«Para 1927-1928, el público bostezaría cuando una caricatura empezara. La animación había agotado su bienvenida. La novedad había desaparecido. Si no hubiera entrado el sonido, los dibujos animados habrían desaparecido.», confesó Shamus Culhane, sobre por qué Steamboat Willie era un cortometraje tan importante para la animación tras el advenimiento del cine sonoro.
Fracasos
Uno de los grandes problemas que tuvo la animación en ese entonces es que era limitada, nos referimos a la animación de estos estudios, e incluso esta situación generó que se volviese demasiado excesiva; por lo que comenzó la competencia en la animación televisiva con Cambria Productions, Total Television Productions y Filmation.
A mediados de los años 60 empezaron a surgir nuevas series animadas expresamente para la programación de los Saturday-morning cartoons. Tras el éxito de la animación en televisión se cancelaron la mayoría de cortometrajes animados, además del fallecimiento de Walt Disney en 1966, la aparición de las animaciones para adultos e infantiles, las animaciones simples y la preocupación de diversos cineastas sobre el futuro de este sector dieron fin a la Era Dorada de la animación Americana.
De hecho podría resaltarse que durante los años 70 y 80 la animación estadounidense sufriría un declive general que afectaría a la atracción del público en la animación cinematográfica; tal y como ocurrió con las producciones de Disney.
Un legado inigualable
En su momento Disney trató de homenajear a la Era Dorada con la película de 1988: Who Framed Roger Rabbit la cual causó un nuevo movimiento renacentista de Disney con sus largometrajes de los años 90 y muchos estudios de animación empezaron a reformarse para realizar largometrajes animados.
Esta realidad causó el nacimiento de la animación digital con las producciones de Pixar Animation Studios; es así como durante los años 90 y principios de la década del 2000 surgieron varias series animadas de Disney que homenajeaban o hacían referencia a la Era Dorada incluyendo: DuckTales, Darkwing Duck, Chip ‘n Dale Rescue Rangers, Goof Troop, TaleSpin, Bonkers, Mickey Mouse Works o House of Mouse.
Adicionalmente, Warner Bros. también la homenajeó o la referenció con las series animadas Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Pinky and the Brain, Taz-Mania, Space Jam, Looney Tunes: Back in Action o Loonatics Unleashed; así como las sagas de videojuegos: Toontown Online, Epic Mickey, Kingdom Hearts, Bendy and the Ink Machine, Cuphead, 102 Dalmatians: Puppies to the Rescue y Disney’s Villains’ Revenge constantemente hacen referencias y homenajes a la Era Dorada.
La animación: la base del mundo audiovisual
Hay que dejar muy claro que la animación es una de las herramientas fundamentales utilizadas dentro del mundo audiovisual, ya que gracias a esta técnica un sin número de mensajes e historias han logrado transmitirse de manera eficaz, transportando a los espectadores a lugares fantásticos, imaginarios o lejanos, donde solo llegan a existir dentro de la imaginación de cada uno de los autores.
Esta técnica conforme al paso del tiempo ha tenido sus inicios en apenas bocetos realizados a mano, pero poco a poco se han ido transportando hasta la generación de líneas o vectores dentro de programas especializados, los cuales, en realidad, facilitan el desarrollo de cuerpos completos en distintas dimensiones, incluso hoy en día unas de las metas de los animadores es poder recrear escenarios de manera realista.
Ahora, no solo se trata de ilustración, y es por eso que se han tenido que clasificar las diferentes formas de realización, como es el caso de la animación digital en 2d, 3d, pixilación, stop motion, cut out, entre otros. En este sentido, nos referimos a que el movimiento de objetos en postproducción parten desde la vida real hasta la interacción en caricatura en el mundo físico, por lo que el cine las ha adaptado en grandes proyectos en distintos países.
Actualmente, Norteamérica es una de las regiones que más proyectos fílmicos comparte de manera anual, en específico Estados Unidos, quien además posee las más importantes productoras a nivel global, por lo que la animación ha evolucionado de manera significativa en ese país.
Compañías con mayor representación
Los participantes en la época dorada con mayor representación fueron Warner Bros. Cartoons, Inc, Disney, Fleischer, Republic Cartoons, Screen Gems, Famous Studios, entre otros; empresas que comenzaron con la realización de cortometrajes, mismos que acompañaban a las películas. De hecho, se podría decir que la principal obra que dio arranque a la época fue Steamboat Willie, en 1928, el cual era protagonizada por Mine y Mike Mouse, los cuales se convirtieron en los principales iconos de la temporada.
Aunque en un principio el equipo de producción de Walt-Disney dudaba si en algún momento el movimiento de los personajes no parecería creíble ante el público, contrató una banda sonora que lo acompañaría dentro de su proyección. Incluso Disney prestó su voz para realizar algunos diálogos o sonidos. El cortometraje representó un antes y un después para la animación, por lo que fue incluido en el Registro Nacional de Cine.
Debido a la necesidad del momento para lograr cortometrajes que marcaran un gran auge, surgió Blanca Nieves y los siete enanos, que además se ganó el título como la primera película a color en la historia, la cual logró sobrepasar las expectativas del público.
No solo producía Disney
En esta época también se encontraban otras compañías produciendo: Fleischer Studios, quien dentro de sus personajes más relevantes los conformaban Betty Boop y Popeye “El Marino”, logrando alcanzar la popularidad de Mickey Mouse, razón por la que comenzaron a desarrollar largometrajes como Los viajes de Gulliver.
Sin duda, sería injusto no decir que el éxito hasta ese momento generó grandes personajes históricos, de allí surgieron los Looney Tunes, El pájaro loco, Tom y Jerry, Superman, La Cenicienta, entre muchos otros, que incluso no solo se quedaron en la pantalla grande, sino que pasaron a ser inmortalizados en series televisivas a finales de los 60s, determinando el final de la Época y dar paso a la Era Dorada de la Televisión.
«Si Walt Disney fue el primer animador que me enseñó a volar en mis sueños, Chuck Jones fue el primer animador que me hizo reír en ellos.», confesó Steven Spielberg, sobre su admiración por los animadores de la Era Dorada en Chuck Amuck: The Life and Times of an Animated Cartoonist.
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Los participantes en la época dorada con mayor representación fueron Warner Bros. Cartoons, Inc, Disney, Fleischer, Republic Cartoons, Screen Gems, Famous Studios, entre otros; empresas que comenzaron con la realización de cortometrajes, mismos que acompañaban a las películas. De hecho, se podría decir que la principal obra que dio arranque a la época fue Steamboat Willie, en 1928, el cual era protagonizada por Mine y Mike Mouse, los cuales se convirtieron en los principales iconos de la temporada.
No solo producía Disney